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14/08/2017

Deux Hommes dans la ville ( José Giovanni 1973)

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 C 'est un film important pour de multiples raisons

tout d'abord en raison de l aspect atypique du réalisateur José Giovanni

L homme au passé trouble durant la guerre devenu truand a la libération sera condamné a mort puis   sera gracié par le président René Coty

Apres 20 ans de prison il se lance dans l 'écriture et publie ' Le trou '   violent témoignage de l 'univers carcéral un roman  qui rencontre un accueil favorable   et qui sera soutenu par Albert Camus puis Giovanni devient scénariste puis réalisateur

Tout son travail cinématographique sera concentré autour des thèmes récurrents de la prison , et de l univers de la pègre avec ses codes et ses règles ( amitiés viriles,   trahison , codes d'honneur , fidélité ,)

Ses principaux films en témoignent largement ' dernier domicile connu ' ' La scoumoune ' 'le rapace '' le gitan   '

très lié a Lino Ventura c 'est a ce dernier qu'il va d'abord proposer en 1973 le rôle de l 'éducateur dans ' deux hommes dans la ville ' mais Ventura trouve le personnage peu a son gout et décline l 'offre   tout comme Yves Montand second choix de Giovanni

Il n 'ose pas demander a Jean Gabin qui déjà très affecté a montré des signes inquiétants de fatigue   pourtant   Gabin contacté  par Delon acceptera avec joie d'endosser le personnage de cet éducateur vieillissant mais fidele a ses principes du droit a la réinsertion et a la seconde chance

Face au" Monstre" Gabin On trouve Alain Delon   (également producteur du film)   dans un role qui sera marquant notamment en raison de la personnalité de son personnage , un braqueur de banque qui tente tant bien que mal de se reconstruire a sa sortie de prison sous l'œil bienveillant de son éducateur mais qui sera  rattrapé  par la fatalité

des seconds rôles masculins gravitent autour de ce duo de 'rois '(reunis pour la troisieme et derniere fois)  avec notamment une première apparition au cinéma de Bernard Giraudeau et un face a face intense Depardieu - Delon ou celui qui va bientôt exploser avec 'les Valseuses ' montre deca  ( le  temps  d'une  scène ) toute l étendue de sa présence et de son charisme.

Quant a Michel Bouquet il grave ici dans nos mémoires un flic obsessionnel ,  crapuleux , maniaque  et manipulateur que personne n'oubliera

les rôles féminins en revanche ne sont pas a la fete notamment Mimsy Farmer égarée qui semble ne même pas comprendre son texte mais l 'essentiel est ailleurs , l'essentiel restant le formidable plaidoyer contre la peine de mort qui conduit ce film magnifique

en osant filmer jusqu'au bout l 'horreur ( dans une France ou la guillotine fonctionne encore) Giovanni sera a sa manière avec ce film profondément social et humain un artisan de l'abolition de la peine capitale qui interviendrai 8 ans plus tard sous l impulsion de robert Badinter dont une phrase conclut le film : "Et derrière ces murs, j’ai vu une machine qui tue.")

Badinter assistera a la première projection du film et félicitera chaleureusement José Giovanni , Ventura sera également Présent et avouera ses regrets d’être passé à côté de cette œuvre majeure et de ne pas avoir accepté le rôle formidable de l 'éducateur brillamment   interprété par un jean Gabin monolithique et profond.

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13/08/2017

Accords et désaccords (Woody Allen 2000)

 

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Un grand plaisir  que ce film de Woody Allen réalisé entre deux films secondaires  (le sortilège du scorpion de Jade  et escrocs mais pas trop -

le réalisateur nous propose ici de partager le quotidien d'un musicien surdoué   Emmett Ray (Sean Penn   (carrément génial et incroyablement a l'aise dans l'univers de Woody Allen) et qui  s'auto proclame  'plus grand guitariste de jazz du monde' après...Django Reinhart.

Emmet Ray qui ne vit que pour jouer de la guitariste est attachant  il est pourtant menteur , kleptomane , un peu maquereau , ivrogne , infidèle ,fanfaron , joueur  et complètement incontrôlable .

On connaît  la grande passion de Woody Allen pour le jazz et cette passion est mis en avant dans ce film jubilatoire  et coloré (dominante rouge -orange).

on retrouve dans 'Accords et désaccords'  le sens de la comédie , du non-sens voire de l'absurde  et le talent de Woody Allen pour nous présenter des personnages  hors du commun dans des situations toutes aussi hors du commun (Emmet ray  ne fait rien  de ce qu'il est censé faire ,il est imprévisible et c'est ce qui fait son charme)

Aux cotés  de Sean Penn Uma Thurman méconnaisable dans le rôle de Blanche et surtout  Samantha Norton dans le rôle de Hattie emouvante sourde-muette  compagne amoureuse  et souffre douleur d'Emmett (nomination  a l'oscar justifiée pour cette interprétation  toute en finesse et en émotion pour Samantha Norton)

Encore une fois on sent bien le bonheur de tout ces comédiens de se retrouver devant la caméra du maitre new yorkais encore une fois on passe un bon moment en se laissant emporter dans l'univers enjoué de Woody Allen.

Son film même s'il ne se  classe pas parmi ses plus grands est néammoins  une totale réussite.

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26/07/2017

Saturday Night Fever original soundtrack (1977)

 

 

Cette B.O n'est pas seulement l'un des albums les  plus vendus de l'histoire de la  musique ( pres de 40 millions d'exemplaires écoulés et 3ème  plus gros succes de l'industrie du disque apres deux albums de Michael Jackson ) ,elle est surtout  le témoignage  musical de ce que fut une époque aujourd'hui révolue et dont beaucoup conservent une douce nostalgie . 

Avec  ses  costumes hallucinants , ses pas de danses posés et  ses paillettes , le disco qui va repeupler les discothèques  du monde entier  et pour une fois   qui réconcilier parents et enfants autour d'un style musical  sera éphemere  certes  mais  néanmoins historique  car tout le monde  de Claude François aux Rolling Stones en passant par Sheila , Dalida  ou david Bowie  va tot  ou tard prendre le grand train du Disco ( pour notre plus grand plaisir ou notre plus désespoir c'est selon !. )

Le film réalisé par John badham en 1977  reste a jamais  LE  film de cette génération  qui va faire d'un jeune acteur italo américain inconnu John Travolta une icône instantanée et du 2001 odyssey (la boite de nuit du film) le centre du monde .

Bon nombre des  titres de cette B.O  sont figés pour l'éternité dans la mémoire collective de tous ceux qui avait l'age d'écouter de la musique ou d'aller au cinéma a cette époque. 

A tout seigneur  tout honneur  les Bee Gees rescapés  des sixties ( et présent sur cette B.O par un hasard chanceux  )qui  vont avec les titres de  cette bande-son conquérir la planète et redorer une  image ternie par une traversée du desert  après un franc succès au milieu des années 60

 Métamorphosés (et surtout  re-lookés )  en groupe disco Les frères Gibb  vont inonder les pistes de danse et  a moins d'avoir vécu en pleine jungle amazonienne ou sur la banquise ( et encore) personne ne peut prétendre de pas avoir un jour ou l'autre dansé  sur "Stayin' alive " -" Night fever" -"You should be dancing" - "Jive talkin'"  ou encore  "more thant a woman " 

.Quant au celèbre et imparable  slow "How deep is your love"   il est   resté 2  mois N°1 des charts.

Autour des Bee Gees  deux formations cultes de l'ere disco KC & the sunshine Band  pour un titre (Boogie shoes)  que l'on pourrait retrouver aisément chez Tarantino    et Kool  The Gang  grand groupe de funk qui céda par la suite a la facilité et qui nous propose ici  un titre fulgurant 'open sesame .  

N'oublions surtout pas le monstrueux ' Disco Inferno'  du groupe  ' Philly sound ' The Trammps  ainsi que l'excellent K.Jee d'un autre groupe de Philadelphie M.F.S.B .

Seuls les instrumentaux signés David Shire ont quelque peu vieillis mais l'ensemble de cette B.O est de grande qualité et reste incontestablement   La bande son idéale des années disco . 

16/06/2017

IP5 , l'ile aux pachydermes (Jean-Jacques Beineix 1992)

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Voila un film qui commence de fort belle manière et qui atteint petit a petit son point culminant avec la rencontre des trois personnages masculins au milieu de nulle part

.IP5 c'est non seulement l'histoire de rencontres improbables mais c'est également deux grandes histoires d'amour fou ; la première pleine d'espoir tandis que  l'autre est faite de souvenirs et de regrets.

C'est aussi  un film qui parle des hommes , de la nature , des sentiments , de la solitude , de la vieillesse et  du choc des générations mais pourtant malgré de trés belles séquences   IP5 pêche parfois par cet  excés de prétention caractéristique chez Beineix  ,on sait le soin particulier qu'aime apporter le réalisateur a ses long métrages (souvenons nous de "Roselyne et les lions" ou encore de " la lune dans le caniveau " films encensés ou .... hués )

Ici c'est un peu la même chose Beineix semble ne pas  laisser suffiamment  dérouler le jeu des ses acteurs (Olivier Martinez et Yves Montand dont c'est le dernier rôle au cinéma sont tout deux épatants) et le film qui se  veut passionnant  au début finit par  lentement  dériver pour finir par finalement  agacer

 

15/06/2017

Le Massacre de Fort Apache ( John Ford 1948)

 

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se replonger dans '  le 'Massacre de Fort Apache ' le premier film de la trilogie de John Ford sur la cavalerie américaine ( suivront 'la charge héroïque' en 1949 et ' Rio Grande   ' en 1950) reste un immense   bonheur de cinéphile

Les raisons en sont simples  a commencer évidemment par la maitrise de la mise en scène de Ford qui restera a jamais le maitre absolu des chevauchées et cavalcades mais aussi par le contenu profondément politique et sociologique du film

John Ford de manière exemplaire réussit a proposer un juste équilibre entre l'évocation des rituels propres a la cavalerie et a ses  règles   , la description de la vie quotidienne au fort, et les scènes d'action spectaculaires au cœur de Monument Valley.

Clairement en réalisant avec ' le Massacre de Fort-Apache ' le premier film 'pro indien ' Ford fais également taire tous ceux qui le taxait de conservatisme et de militarisme exacerbé ( les memes accusations seront également  portés sur John Wayne)

La vision du monde et des conditions de vie misérable des indiens ( représentés ici par Cochise et Geronimo du clan des ' Apaches ' ) tranche avec les représentations passées des indiens fourbes et traitres

C 'est plutôt le corps militaire,  ses codes et ses regles  qui sont moqués par Ford au travers de séquences humoristiques volontaires  notamment avec l'interet portés aux sans grades qui tournent en ridicule les rituels militaires tout en donnant à l'armée  une véritable humanité et une réelle authenticité

ici Ford choisit  d'opposer deux types de militaires avec d'un coté le lieutenant-colonel Thusrday, (Henry Fonda tout en sobriété) excessivement autoritaire  et rigide qui refuse d'écouter ses officiers mieux avisés que lui et méprise ses adversaires indiens les considérant comme des sauvages et de l'autre le capitaine York, ( John Wayne) vétéran des guerres indiennes, qui sait comprendre les signes 'indiens  '  et connaît parfaitement les tactiques des Apaches. C'est aussi un homme qui met un point d'honneur a la parole donnée et au respect de l'ennemi

l 'opposition croissante de ces deux personnalités militaires constitue la colonne vertébrales de ce 'western" d'une rare intelligence psychologique

La touche melo et légère est ici apportée par l'idylle entre Philadelphia Thusrday , la fille du lieutenant colonel ( Shirley Temple) et le jeune et beau lieutenant O ' Rourke ( John Agar)

Ford livre également de beaux portraits de femmes de militaires en insistant sur l 'abnégation et le sacrifice de ces épouses  perdues loin de toute civilisation et dans un univers plutôt hostile.

'le massacre de Fort Apache ' regorge de merveilleuses  scènes d 'anthologies , l'attaque et le massacre des hommes de Thusrday par Cochise , les scènes de bals ( filmées avec une maestria qui laisse rêveur) , les faces a faces et divergences entre Thusrday et ses hommes qui par l'entêtement du premier conduiront au massacre des seconds

enfin Ford dénonce aussi et c'est certainement la force et le message final de son film l 'héroïsme falsifié qui construit la légende et fera du lieutenant colonel Thusrday un héros sacrifié pour la grandeur de son pays malgré des choix humains et tactiques douteux et hautement discutables.

Du grand cinéma et du grand spectacle pour ce film que l 'on peut considérer comme un des fleurons du genre.

 

10:49 Publié dans cinéma | Lien permanent | Commentaires (0)

14/06/2017

L'immortel (Richard Berry 2010)

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Bon j'avoue que j'y croyais pas trop jean Reno dans un film réalisé par Richard Berry et produit par Luc Besson , j'ignorais que Kad Merad se coltinait le rôle du méchant de service et que Darroussin faisait partie du naufrage.

En adaptant le roman de Franz Olivier Gisbert  on aurait pourtant pu espérer un meilleur traitement de la part de Richard Berry.

Au delà de la distribution c'est plutôt le personnage incarné par Reno qui me donnait envie de voir  ce film 'Jacky Imbert' rebaptisé Charly Mattei dit "Charly Le Mat" légende de la pègre marseillaise ,un personnage au passé chargé a la fois trouble et fascinant rescapé d'une tentative d'assassinat par le milieu malgré 22 projectiles retrouvés sur sa carcasse

Mais les bonnes intentions ne suffisent pas et le film de Berry ne fait illusion que quelques minutes.

Très vite on sent que la mayonnaise ne prend pas malgré les tentatives de plus en plus désespérées de Jean Reno de nous fait croire au personnage

Ça se corse avec l'apparition de Tony Zacchia joué (mal) par Kad Merad visiblement peu a l'aise dans ce registre puis celle de Martin l'avocat véreux (Darroussin a la ramasse ) et du commissaire Marie Goldman (Marina Fois a peine crédible)

personnages peu vraisemblables et trop caricaturaux, dialogues idiots, violence parfois inutile avec des scènes a la limite du ridicule (ah ! la poursuite a moto avec un cascadeur doublant Reno mais qui doit bien lui rendre 40 kilos de moins) et le plagiat Honteux  sur les films de mafia (le mariage )

Joey Starr ("le pistachier" ) en "guest star" dans le rôle de méchant impressionne davantage en 2 minutes que Kad Merad vociférant et gesticulant a chacune de ses apparitions dans le film

On a du bien rigoler du coté de Marseille et de Toulon avec ces caïds de cinéma , on a dût moins rigoler, par contre si on a payé sa place de cinéma pour voir cette daube a peine réchauffée et surtout très indigeste

 

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07/06/2017

Velvet goldmine (Todd Haynes- 1998)

velvet goldmine,glam rock 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Mon appréhension a visionner 'Velvet goldmine ' était malheureusement justifiée , le film de Toff Haynes réalisé en 1998 et qui  relate l'épopée du glam -rock dans les années 70 ne m'a apporté que déception et regrets.

Certes l'affiche était alléchante Ewan Mc Grégor et Jonathan Rhys Myers dans les rôles respectifs de Curt Wild (Iggy Pop) et Brian Slade ( David Bowie)  quel challenge  ! Quel culot !

mais le résultat  nous laisse sur notre  faim et au bout du compte le film de Todd Haynes a  un drôle de gout d'inachevé et  d'inabouti

'Velvet goldmine'  premier film consacré aux années glam se révélait  inévitablement comme  un projet extrémement ambitieux ,le mouvement musical " glam " pourtant éphémere aura  marqué les consciences de toute une génération de musiciens et comme tout mouvement qui laisse son empreinte il a ses héros (Bowie , T.Rex, Roxy Music , Slade,  New York Dolls  et ses Héritiers ( Suede,  Pulp , Placebo  ) ses disques cultes (Ziggy Stardust  , Roxy Music  tout d'eux millésimés 1972)

Haynes , jeune cinéaste (né en 1961) n'a evidemment pas négligé les clichés incontournables  de ce mouvement 'glam' haut en couleurs en décadence et en fantaisie , le strass; les paillettes, les looks hallucinants , les plat- forms boots , l'androgynie , la bi sexualité,  la drogue bien sûr tout  y est comme dans un fourre tout un peu (beaucoup) indigeste 

le scénario s'articule quant a lui autour d' une pseudo disparition et d'assassinat de Brian Slade (Bowie)  incarné ( fort brillamment  par Jonathan Rhys Myers); et de sa rencontre avec Curt Wild (Iggy Pop) tandis que  Arthur Stuart  ( Christian bale) un journaliste  part a la recherche du chanteur disparu et rencontre ceux qui ont  accompagnés durant sa carrière.

Si le film décoit La bande son par contre est incontestablement une réussite  Bowie n'ayant curieusement cédé aucun droit (même pas ceux de la chanson dont s'inspire le titre du film) le réalisateur a puisé dans un répertoire varié (et même parfois hors sujet)

on entendra donc des titres  de   Roxy music ,  Brian Eno  , T Rex,  Lou Reed, The Stooges, ,et on découvrira un  Groupe composé de thom Yorke et  johnny Greenwood (Radiohead) , Bernard Butler (Suede) et Andy mc Kay (Roxy music) baptisé The venus in furs (clin d'oeil évident au Velvet Underground l'anti thése absolue du glam rock), un "Super groupe" occasionnel et éphémère  qui  nous gratifie ici  de quelques titres stupefiants (  "ladytron" " 2HB" "bitter sweet" "baby's on  fire " ) des standards  qui raviront a coup sur  les connaisseurs .

Pour la petite histoire , Michael Stipe , leader de R.E.M   est  également impliqué et associé a ce projet  et  il y  a fort a parier que sa patte malicieuse est derrière cette bande son superbe

Quant au film il nous balade , navigue tristement  entre fiction et réalité , brodant autour d'un  invraisemblable scénario malhabile et embrouillé

il faut rappeler n'en déplaise a Todd Haynes que  Iggy Pop  personnage evidemment fascinant n'est toutefois pas une icône du glam (peut être que   s'inspirer de Marc Bolan (T Rex) aurait été plus judicieux) 

Force aussi est de constater que  malgré le très charismatique Jonathan Rhys Myers la mayonnaise ne prend pas , on est devant un film un peu space age , futuriste , dont la bande son heureusement nous tire d'une incontrôlable torpeur et d'un certain ennui ; on imagine alors avec une pointe  de  regrets a quoi un  tel projet aurait pu ressembler avec un peu moins de prétention et un plus de réalisme. 

 

 

Placebo - 20 th century boy   (velvet goldmine original soundtrack)

 
podcast

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

31/05/2017

Maudite Aphrodite (Woody Allen -1995)

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C’est toujours  pour moi  une véritable thérapie face a la morosité ou a la mélancolie que de visionner un film de Woody Allen.

Réalisé en 1995 'Maudite Aphrodite' ne bénéficie pas d'un  statut de film incontournable dans la longue filmographie du plus  célèbre des metteurs en scènes new yorkais , c’est cependant a mon sens  un film indispensable

Plus confidentiel , plus intime  aussi  ce film  aborde comme toujours certains thèmes de prédilection (les rapports au sein du couple, l’érosion de la vie a deux) chers a Woody Allen  mais et c’est nouveau chez lui il  traite aussi de thèmes  qu'il n'a  jamais abordés comme l’adoption  ,la paternité  ou  encore la recherche du père.

Sur une toile de fond subtile et comique les vrais tourments de Lenny  Weinrib (Woody Allen) chroniqueur sportif   et époux d’ Amanda (Helena Bonham - carter) surviennent  lorsqu’il décide de partir a la recherche de la vraie mère de leur fils Max adopté cinq années plus tôt.

A sa grande surprise et son grand désarroi  il retrouve la  génitrice qui s’avère être une prostituée actrice de films X  (F.O.R.M.I.D.A.B.L.E  et pétulante Mira Sorvino).

Touché par sa sincérité et sa spontanéité  il se lie d’amitié avec elle mais  ne lui avoue pas être le père adoptif de l’enfant ;il va cependant tout tenter pour lui redonner confiance et devenir le guide spirituel  d’une vie nouvelle

Cocasse et touchant , alternant gravité et légèreté  Maudite Aphrodite est pour moi l’un des meilleurs Woody Allen de ces  dernières Décennies .

Emmené tambour battant par une Mira  Sorvino incroyable ,le film est jubilatoire  et  extrêmement  Drôle

Face a la  tornade"  Sorvino " Woody Allen joue le rôle qu’il sait le mieux composer ,  a savoir celui du quinquagénaire maladroit  , un peu lâche  et  toujours  dépassé par les événements .

L’intrigue nous est illustrée par l’intervention de personnages de tragédie  grecque (d'où le titre du film) et toutes les scènes qui mêlent personnages réels et fictifs sont d’une grande drôlerie.

Un bonheur de film dans lequel le génial réalisateur prouve encore son talent a mettre en scène les tracas et les doutes de la vie quotidienne

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21/05/2017

Reparer les vivants (Katell Quillévéré 2016)

 

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Il est  des films auxquels on ne s'attends pas et que l on reçoit comme un  ' coup de poing  '  en pleine face

 "Reparer les  vivants" (quel titre  sublime) fait partie de cette catégorie rare , de  celle  des films qui vous  laisse le souffle coupé et les larmes aux yeux.

Cela commence dans la nuit,  Simon un adolescent qui sort de la chambre de sa petite amie, enfourche  son vélo  pour  une virée  en camionnette avec  deux  copains pour aller  'surfer  '

les images sont de toute  beauté , la mer ,le ciel , le jour qui se leve  et Katell Quillévéré qui  filme admirablement le mouvement , la liberté des  corps , l’énergie, la jeunesse puis  cela  se poursuit en immersion dans les vagues, le ciel est  bas et gris et on a l 'impression de 'surfer ' avec Simon et ses  deux copains

Puis au retour par un effet de caméra stupéfiant la réalisatrice nous fait  entrer de plein pied  dans le  drame du film .C'est l'accident sur le chemin du retour qui laisse Simon en mort cérébrale et brusquement c'est la vie qui bascule.

A l 'autre  bout de la vie C'est Claire (Anne Dorval  formidable)  qui ; malade  attends une  greffe de cœur

le sujet semble lourd a porter pour une jeune réalisatrice trentenaire pourtant la maitrise avec laquelle le film est mené de bout en bout  force le respect et l'admiration.

Adapté du roman de Maylis de Kerangal  'Réparer les  vivants  ' est un film sobre qui évoque outre le sujet du deuil mais surtout le thème délicat du don d'organes

Nous sommes clairement a des  années lumières de tout les  téléfilms et autres séries  du milieu médical ,  ici tout  est juste et brillamment dosé  ,pas de  surenchères  mais plutôt  des personnages économes de paroles tous extrêmement attachants  ( Tahar Rahim encore  une  fois parfait)

Dans les rôles douloureux  des  parents de Simon on retrouve Emmanuelle Seigner  et  un surprenant Kool Shen   qui étonne de  justesse et  de  sobriété ,l'ex membre du groupe NTM  réussit  parfaitement ( a l 'image de  Joey Starr son ex partenaire rappeur ) son entrée  dans le monde  du cinéma Français.

Dominique Blanc et Bouli Lanners parfaitement en immersion  dans le corps médical  sont également incroyable de sensibilité et d'humanisme 

 

Le film formidablement porté par des acteurs qui s'effacent avec une profonde retenue derrière le poids du sujet est admirablement mis en scene  ( les  séquences silencieuses  d'hôpital  ou les  acteurs  doivent faire passer leurs  émotions  avec leurs  seuls  regards sont  bouleversantes )

C'est un film profond jamais triste  ni  larmoyant et qui nous rend humble face a la vie et face aux hommes et  femmes qui ont pour mission de nous la  rendre  meilleure ou tout du moins  possible.

GRAND  FILM

 

 

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19/05/2017

Cezanne et Moi ( Daniele Thompson 2016)

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Soyons  honnêtes  avec  ce  film plein de  bonnes intentions  et avouons   que les  intentions  si louables  soient  elles  ne  font  decidement pas un Bon Film.

Daniele Thompson  ex scénariste a  succès  et passé a la réalisations depuis est plus  a l'aise  sur des  sujets  de  société   ' La buche  '( 1999)  'Fauteuils  d'orchestre  ' (2006) qu'avec  le genre (très  délicat ) du Biopic

Ici le  sujet  qui réunit  Paul Cézanne  ( Guillaume Gallienne  plutôt  pas mal ) et Emile Zola ( Guillaume  Canet  assez  inconsistant et  fade) c 'est le  roman ' L'œuvre " publiée  en 1886 et qui  traite  de l'art  de la peinture

Furieux d'avoir été  pris pour source d'inspiration Cézanne pourtant amide Zola depuis l adolescence  revient  s 'expliquer  chez le  vieil  écrivain  devenu depuis  toutes  ces  années  l'un des  romanciers  les plus incontournables  de  son époque

au travers de  "flash backs" un peu (beaucoup) "clichés " Daniele Thompson nous retrace le parcours  des  deux ' amis - ennemis  'qui passèrent leur vie tant a s'aimer qu' a  se  quereller

le film  déroule  sans  parvenir a passionner  , le comble  avec  deux  sujets  brulants  que sont ces  deux personnages essentiels  du monde  culturel 

Ni les  magnifiques  scènes  filmées  dans les époustouflants  paysages  provençaux , ni les  reconstitutions appliquées  du Paris de l'époque , ni  les  rencontres (rapides) avec les  grands artistes de cette période  foisonnante  ( Maupassant , Renoir, Manet......) ,   ne parviennent  a hausser le niveau de ce film qui reste mièvre et mollasson.

on comprend aisément le peu d'intérêt que 'Cézanne et Moi " suscita lors  de  sa  sortie malgré le  sujet  et le 'casting '  plutôt  alléchant.

 

 

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18/05/2017

Happiness Therapy ( David O' Russell - 2012)


 

 

 

 

 

Quel  merveilleux film et surtout quelle révélation que de découvrir la magnétique  'Jennifer Lawrence' , elle illumine le film des son apparition.

Dans le rôle de la bouillante Tiffany Maxwell , ELLE  EST TOUT SIMPLEMENT  EXTRAORDINAIRE .

On comprend facilement pourquoi les jurys du 'golden globe ' et des 'oscars' 2013 (entre autres) l'ont récompensée ( a 22 ans )


Bradley Cooper de son coté  est tout a fait génial dans son personnage de trentenaire bipolaire (les séquences de petages de plombs  familiales sont bouleversantes)
Autour de ce formidable  duo  s'activent  Robert De Niro (le père)tout en retenue délicate  et en émotion et  Jackie Weaver dans le rôle plus confidentiel et effacé de la mère de Patrick


Cette histoire de thérapie par la danse n 'est jamais mièvre bien au contraire  elle nous parle avec  intelligence et justesse du  droit fondamental a une deuxième chance , elle nous parle  aussi d'amour et de tendresse même pour des personnages écorchés vifs
le réalisateur avec  beaucoup de  pudeur sait capter et  filmer les regards de chacun dans ce film ou   amitié , tendresse et amour  sont présents sans jamais véritablement se dévoiler.

Magnifique!!!!

 

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13/05/2017

La céremonie (Claude Chabrol - 1995)

 

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Évidemment il faut  trier dans la longue filmographie de Claude Chabrol.Depuis  les chefs d'Oeuvres de' la nouvelle vague' (" le beau Serge " ou "les bonnes femmes ) aux parodies de films espionnages ('le tigre aime la chair fraîche "  ou l'inénarrable 'Marie Chantal contre le docteur K ) sans oublier les films essentiels des années 70 ("Que la bête meure! " ou encore  "le boucher ' ) le réalisateur oscille entre le bon et le moyen.

 Vers  la fin de la décennie, il effectue un tournant en optant pour des sujets plus éclectiques  . sa rencontre en 1978 avec la jeune Isabelle Huppert, qu'il contribue à révéler, va se révéler décisive. Violette Nozière, l'empoisonneuse parricide qui fit scandale dans les années trente, ajoute une dimension supplémentaire à la galerie de monstres jusqu'ici filmés par Chabrol  (il avait déjà adapté un autre fait divers sanglant dans Landru avec Charles Denner). Il entame avec l'actrice un duo redoutablement efficace "une affaire de femmes"  -Madame Bovary"  "L'ivresse du pouvoir" )mais c'est très certainement avec "la cérémonie " que Chabrol est véritablement au sommet de son art et ce n'est donc pas un hasard si isabelle Huppert fait partie de cette aventure .

Librement adapté d'un roman de Ruth Rendell la cérémonie est incontestablement une des pièces maîtresses du cinéma de Claude  Chabrol mais si la réalisation est parfaite il faut insister sur la dimension apportée par le duo  Huppert  -Bonnaire.

Elles sont toutes les deux  époustouflantes dans des rôles totalement opposés  la première dans un personnage (jeanne) culottée ,dévergondée et  a la limite de la folie ,  la seconde (Sophie) inquiétante , toute en pudeur , en silences pesants et  en regards fuyants .

 Les deux comédiennes livrent ici une interprétation de très haute qualité (avec a la clé  un césar amplement méritée pour Huppert) .

Leurs scènes communes depuis leur  rencontre ; l'amitié naissante ,  les secrets  et le passé  trouble de chacune d'entre elles  tout ici  nous entraîne minutieusement , implacablement  vers une  tragédie que l'on devine inévitable. Autour de ces deux actrices formidables les seconds rôles ne sont pas en reste (Virginie Ledoyen et jean pierre Cassel  sont  irréprochables  mais Jacqueline Bisset  par contre  semble assez peu a l'aise ,elle est a mon avis la seule erreur de ce casting (presque) parfait . 

 Malgré ce petit bémol,  La cérémonie est de bout en bout un film envoutant et  fascinant avec un final terrifiant ou plane avec bienveillance l'ombre du grand Hitchcock. 

23/04/2017

Man on fire ( Tony Scott -2004)

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Man on fire est un film qui se divise en deux parties très  distinctes , dans la première le héros (Denzel Washington  toujours excellent) arrive a Mexico city retrouver un ami (christopher walken egal a lui même) et décide de s'installer dans cette ville minée par la corruption ,le crime et les kidnappings d'enfants  de famille  riches 

on ne sait rien de son passé mais on devine que ce dernier  est  lourd a porter et que son départ des U.S.A tient plutôt de la thérapie que du tourisme
Engagé comme garde du corps d'une fillette (dakota Fannings épatante ! ) il va peu a peu grâce a ce travail et a la complicité naissante avec la fillette renaître a la vie .

le film nous offre une vision intéressante (et pas très rassurante) du Mexique et cette premiere partie du film est de tout premier ordre malheureusement Tony Scott  décide de consacrer la seconde partie de son film a l'action pure a l'image d'un Tarantino (dont il avait mis en scène l'excellent scénario true romance voici quelques années) et c'est donc dans un climat d'extrême violence que se déroule cette deuxième partie

Notre Héros après l'enlèvement (prévisible) de sa petite  protégée se transforme soudain en Rambo des temps modernes , après  avoir été laissé pour mort il va se lancer aux trousses des responsables du rapt de la jeune fille  et on assiste  alors a un déferlement de violence , incendies ,explosions , tortures , le tout filmé avec soin mais avec un voyeurisme parfois gênant c'est "oeil pour oeil -dent pour dent " a la puissance 10.
le film perd alors de son charme et de son intérêt pour ressembler a tout ce que le cinéma américain en manque d'inspiration nous propose depuis des années déjà
un final téléphoné qui ne sauve même pas la mise et l'histoire se termine avec le sacrifice du héros présenté comme un martyr moderne (lourd très lourd !!!)
un film moyen donc bien que prometteur durant les 45 premières minutes puis qui ,  a l'image des explosions déclenchées par son héros part en fumée
on notera le retour a l'ecran (timide) d'un mickey Rourke  méconnaissable dans le rôle d'une crapule intégrale

18:20 Publié dans cinéma | Lien permanent | Commentaires (0)

12/04/2017

Pollock (Ed Harris -2003)

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Premier film réalisé (et interprété par Ed Harris  ) Pollock est un film magnifique injustement boudé par le public lors de sa sortie a l’automne 2003.

Comédien souvent révélé par de formidables seconds rôles ("the hours "–" the Truman show" –"Apollo 13"Ed Harris  (qui en plus de lui ressembler de façon troublante ) interprète Le personnage de Jackson Pollock  peintre  totalement génial  mais miné par un alcoolisme chronique qui va causer sa perte.

C’est peu dire qu’Ed Harris s’est investi dans son personnage  , en effet , il s’identifie totalement  avec l’artiste avec une puissance intense et  totalement magnétique.

A ses cotés Marcia gay Harden  (oscar du second rôle féminin pour ce film) interprète le rôle de lee Krasner  compagne dévouée de Jackson Pollock qui accompagnera l'artiste toute sa vie  et le guidera dans son ascension vers la célébrité

Nous suivons donc le parcours de l’artiste depuis ses années de galère a  New York  jusqu'à son retrait  de la vie sociale  pour se consacrer a son art et  nous assisterons a la naissance d’une forme nouvelle de peinture révolutionnaire (le drop-painting) qui va faire entrer Pollock dans la légende .

Derrière la destinée d’un artiste hors du commun c’est aussi le lent cheminent d’un homme rongé par l’alcool.  et de son combat  au quotidien avec la maladie

 A l’image du fabuleux Van Gogh réalisé voici quelques années  par Maurice Pialat  Pollock  est un film facile d’accès  que l’on peut apprécier même si l’on est hermétique a l’art contemporain car Ed Harris  nous restitue avec simplicité les tourments et les doutes  de la création artistique

Jamais il ne cherche a faire de Pollock  un personnage attachant ou sympathique bien au contraire . Jamais il ne cherche a nous convaincre que Pollock est un génie  il se contente  plutôt de nous le présenter humblement  sous sa forme la plus brute et la plus sincère .

Les scènes ou Pollock peint seul dans son hangar glacé sont  d’une grande beauté et  c’est là dans le silence de la création et dans le face a  face entre l 'artiste et son œuvre  que l’on arrive a  capter  la force intérieure et la dimension de cet artiste hors du commun .

15:53 Publié dans cinéma | Lien permanent | Commentaires (0)

29/03/2017

Histoire d'une Chanson - Strangers in the night (1966)

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Au début des années 50, le compositeur Français  Philippe Gérard compose un titre  qu'il appelera Magic Tango à l'intention du chanteur Eddie Fisher (l'un des nombreux maris de Liz Taylor).

C’est un tube qui se vend à deux millions d'exemplaires en 1953, et sera adapté dans de nombreux pays d’Europe

en France, c'est Tino Rossi qui en fait  un  succès (Tango magique) aux Etats  Unis  c'est Tony Brent  Qui chante 'the Magic Tango " et en Allemagne, le titre est récupéré  par le talentueux chef-d 'orchestre Bert Kaempfert, qui en recycle une partie de la mélodie dans la bande originale  du film ' a man could get  killed   en 1966 ,  une série  B réalisée  par Ronald Neame (avec James Garner) et  sortie en  France  sous le  titre  "D pour Danger "

Dans la  foulée le  thème du film est proposé  sous le  titre  'Strangers  in  the  night   ' d'abord en Europe  au croate  ivo Robic  puis a  Frank  Sinatra  alors  en perte  de  vitesse et qui cherche  un  hit pour revenir  sur le  devant  de la  scène

en 1966 Philippe Gérard entend la  bande  son  du film et reconnaît  immédiatement le thème qu'il avait  composé puis  il  découvre  l 'adaptation  de Sinatra  et  décide  de passer a l 'offensive

En première instance, le créateur français n'en mène pas large : le compositeur allemand et les producteurs de Sinatra réclament une fortune en dommages et intérêts pour atteinte à leur réputation.

au bout  du compte  le  plagiat fut  reconnut mais  les avocats  de Sinatra et de Bert Kaempfert  proposèrent  a Philippe Gerard  un dédommagement a condition qu'il  décide  de  renoncer  aux  poursuites

Depuis "Strangers  in  the  night " est devenue l'une  des  chansons les  plus connues  de la planète  et c'est également celle  qui permis  a Sinatra  trois  avant 'My  Way' ( une autre  chanson d'origine  française )  de revenir au premier  plan.

La  carrière artistique   de Philippe Gérard  (  décédé  en 2014 a 89 ans) n'en demeure  pas  moins  prolifique  outre  les  musiques  de  films ( 'du riffifi chez les  hommes  '  ou ' la vie  est un roman ') il a composé (entre  autres)  pour  Juliette Greco , Yves Montand , Edith Piaf  , Jeanne Moreau ou encore  Henri Salvador

 

 

 

 

25/03/2017

L 'affaire CharlesTrenet Vs Chaplin

 

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En 1941 ( je sais ca date pas  d'hier) Charles Trenet  alors âgé de 28 ans  compose la  chanson   'la  romance  de Paris  ' pour le film ' Romance  de Paris  '  de Jean Boyer  un film typique  du  cinéma des  années 40 et dans lequel Trenet joue le rôle principal a savoir celui d'un jeune electricien qui devient chanteur

en ces années sombres de notre  histoire Trenet  est une  grande vedette internationale  qui parcourt le  monde et il rencontre en 1945 aux Etats -Unis Charles Chaplin  avec lequel il se lie d 'amitié

Pourtant  des   années plus  tard on se  sait ce qui passe par la  tète de Trenet  ( "j 'ai été mal conseille  " diras  t 'il plus  tard " ) en effet  en 1967 sort sur les  écrans  ce  qui sera le  dernier  film réalisé par Chaplin  ' La comtesse  de Hong Kong  ( avec  Marlon Brando et Sophia Loren) et Trenet  entends  dans la bande  originale la  chanson 'This  is  my  song  ' chantée par Petula Clark alors  devenue  star internationale ( on la croise aux  bras  de Dean Martin qui l invite  dans  son show  télévisé mais également  aux bras de Serge Gainsbourg  qui compose pour  elle)

Ni une ni deux  notre Trenet national pique  une  colère  et  estime  avoir  été plagié par le  grand  Chaplin  qui signe  lui même comme chacun  sait  toutes les musiques  de  ses  longs métrages 

Ce procès  jettera  un  froid  définitif dans les  relations  cordiales   des  deux artistes et si il est vrai que les quelques notes au début  de "this is my song" rappellent de toute  évidence  'la  romance  de Paris  ' comment Trenet  a t'il pu imaginer une seule  seconde  qu'un artiste  de la stature  de Chaplin pouvait  se  livrer a un quelconque plagiat ?

il semblerait plutôt que Chaplin qui avait assisté a de nombreux  tours  de  chant  de  son ami ait intégré dans  sa mémoire la rythmique de la  chanson de Trenet

Beaucoup de mauvaises langues ont prétendus que c'est l 'appât  du gain colossal en  termes  de dommages et intérêts miroité par le ' fou chantant' qui aurait  conduit  ce dernier a intenter  ce procès surprenant

ON se sait pas  grand  chose  de l'issue  de ce procès  qui semblerait s’être réglée a  l 'amiable mais l 'histoire fait désormais  partie des  faits marquants  de la chanson  française

 

 

Charles Trenet la romance de Paris

 

Petula Clark - this is my song

 

Résultat de recherche d'images pour "trenet et chaplin"

 

 

 

 

 

11/03/2017

Amadeus (Milos Forman 1984)

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C'est très certainement l'un des  plus grand film musical de l'histoire du cinéma , le revoir  plusieurs  décennies apres sa sortie permet de mesurer combien Amadeus n'a pas pris une ride

 Bien au contraire. le film de Milos Forman adapté de la piece de peter Schaffer reste un enchantement  a chaque seconde , la tragique  et courte vie du plus celebre des compositeurs de tout les temps nous est racontée ici par le biais d'Antonio Salieri merveilleusement interprété par F.Murray Abrahams (oscar du meilleur acteur) le compositeur attitré de Joseph II.

 Salieri personnage trouble , inquietant , fourbe ,maladivement jaloux mais totalement fasciné par l'évidence du  genie de Mozart en qui il pense entendre la voix de Dieu .

Quant a Mozart il est ici incarné par un incroyable  Tom Hulce comedien alors quasi-inconnu et qui  va trouver ici le rôle de sa vie .

Ce chef d'œuvre   va Installer définitivement Forman parmi les génies de la réalisation cinématographique.

(Amadeus lui permettant de remporter un second oscar apres Vol au dessus d'un nid  de coucou en 1975)

 Amadeus aura également permis de populariser ,de dépoussiérer et de désacraliser la musique classique  , Mozart  nous étant ici présenté comme un jeune homme fantasque , décadent , grossier et plutôt vulgaire ; une sorte de chien fou habité par un génie intérieur et une énergie qui va le consumer .

Tout ici est époustouflant  des décors somptueux a l'interprétation des acteurs , des costumes a la musique  . Certaines scènes  (la dictée musicale)  faisant désormais partie de l'anthologie du cinéma . 

2h 40 de pur bonheur a voir et a revoir.

 

 

 

 

 

01:38 Publié dans cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : milos forman, amadeus

07/03/2017

Harry dans tout ses états (Woody Allen 1997 )

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Harry dans tous ses états (deconstructing Harry) pourrait etre le film testament de Woody Allen tant le réalisateur a mis de sa personne dans la conception de son film pourtant même si l' on sait pertinemment  que le boulimique metteur en scène (quasiment 1 film par an depuis 'take the money and run' en 1972) n'en restera pas là (les films qui suivront seront d'ailleurs plutôt moyens) ce film là est a mon sens l'un des plus importants de sa carrière.

Évidemment il y a toujours une large part autobiographique dans les personnages que Woody Allen interprète a l'écran mais certains sont indiscutablement plus marquants et on se souvient notamment  avec émotion de son personnage de Alvy Singer dans Annie Hall en  1977.

Ici c'est Harry Block; écrivain a succès qui nous intéresse ,Harry s'inspire de ses propres experiences  pour écrire ses romans et forcément sa famille et ses proches s'y reconnaissent aisément car ils sont a peine masqués derrière les identités du livre .

Comme souvent  chez Woody Allen le film mélange personnage réels et personnages fictifs ,  scènes vécues ou imaginées et c'est dans ce contexte particulier que se croisent tous les protagonistes de cette histoire qui gravite autour de Harry Block et des ses névroses .

Le choix des comédiens encore une fois est de tout premier ordre  Woody Allen est déchaîné et nous régale encore d'une grande performance d'acteur qui prouve combien il est excellent quand il est...lui même.

A ses côtés beaucoup d'actrices très inspirées (on sait depuis longtemps la part belle faite aux comediennes dans les films de Woody) et on retrouve Judy davis  - Amy Irving - Caroline Aaron - Kristie Alley -  et Demi Moore (étonnante  dans un personnage totalement décalé).

Côté masculin Billy Crystal  et Robin Williams trouvent tout deux des rôles totalement délirants dont je préfère garder le secret pour ceux qui n'auraient pas encore vu cette petite merveille de comédie.

Ce film est un véritable feu d'artifice, qui démarre a cent a l'heure et qui ne faiblit jamais ( le montage ultra rapide du film donne davantage encore d'énergie a cette comédie jubilatoire) 

ça  part dans tout les sens , ça dérape , ca s'engueule aussi beaucoup  mais  derrière les angoisses de Harry et les états d'âme de chacun et chacune  le film parvient  toujours grâce au talent et au génie  de Woody Allen  a nous sensibiliser et nous émouvoir.

 

Harry dans tous ses etats  est sans contexte  un Woody Allen grand crû qui peut aisément rivaliser avec les chefs d'oeuvres de la trempe de Manhattan ou Annie Hall auquel ce film nous ramène souvent .

Un vrai régal !!!! a déguster sans modération bien évidemment  et toujours en V.O.

 

02:41 Publié dans cinéma | Lien permanent | Commentaires (0)

Les Oiseaux (Alfred Hitchcock 1963)

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Mon fils m’a demandé un  jour ‘ c’est quoi les films qui te faisaient peur quand tu avais mon âge ?

J’ai réfléchi  et me suis souvenu de ma terreur lorsque je vis pour la première fois ‘les Oiseaux ’d’Alfred Hitchcock.

A sa demande je décidais de visionner le film en sa compagnie j’ai du le revoir peut être une fois depuis (certainement a l’occasion d’une rediffusion TV) et l’idée d' un petit Hitchcock de temps reste toujours séduisante.

Je considère évidemment  Hitchcock   comme l’un des plus grands maîtres du cinéma et  il faudrait être idiot (ou aveugle) pour prétendre le contraire

j’en veux pour preuve le nombre impressionnants de Chefs d’œuvre "Sueurs froides" – "l’inconnu du nord express" – "fenêtre sur cour" "Psychose ") qui me reviennent en mémoire quand je pense a ce réalisateur qui aura su faire de son nom un mot du langage usuel " ne dis t’on pas c’est du Hitchcock quand on parle d’une situation de suspense haletante ?"

Les  Oiseaux  donc, et Surtout qu'en est il plus d'un demi siècle après sa sortie ?

Force  est  de reconnaître que le film a quelque peu vieilli cependant on passe néanmoins toujours un bon moment même quand on connaît l’histoire par cœur .

Il est vrai que le film est plutôt lent a démarrer ( l’insipide rencontre entre Tippi Heddren et Rod Taylor puis l’arrivée a Bodega Bay sont d’une mièvrerie ennuyeuse ) ; les trucages évidemment ont pris un sacré coup de vieux  alors de cette adaptation de Daphné Du Maurier il vaut mieux se souvenir des incroyables séquences d’anthologie et en premier lieu cette incroyable scène de la sortie d’école ou Tippi Hedren fume tranquillement alors que les corbeaux  arrivent par vagues et s’installent sur le portique de jeu attendant les écoliers  pour les attaquer

on peut même dire que cette scène ou l’on attend l’attaque  imminente et inévitable des oiseaux est plus  effrayante encore  que l’attaque elle-même car nous , spectacteurs voyons les oiseaux se regrouper dans le dos de l'heroine qui fume tranquillement sa cigarette .

La scène de la station service avec ce plan magnifique ou Hitchcock prend de la hauteur et nous donne la vision de la ville assaillie du point de vue des oiseaux est également un grand moment du film de même que  l’attaque des oiseaux sur Tippi Heddren  dans la pièce du haut de la maison

On a longtemps d'ailleurs  assimilé cette scène a une représentation du viol et on n'ignore pas au vu de la filmographie de Hitchcock  que ce  dernier adorait faire souffrir ses héroïnes , clairement on peut dire qu’ici il n’y va pas de main morte Tippi Heddren est a moitié dévorée vivante par les coups de bec et meurtrie par les griffes des oiseaux déchainés

Enfin rappelons la séquence finale apocalyptique ou les héros s’enfuient laissant leur maison ,leur ville  aux oiseaux qui semblent avoir gagnés la bataille

Hitchcock osant terminer son film sans happy end c’est assez rare pour être souligné .

De même il n'apporte aucune hypothèse;aucune explication laissant a chacun le soin de tirer ses propres conclusions et sa propre analyse sur le phénomène

Pour conclure je me dois de signaler que mon fils  comme je m'y attendais n’a pas eu  peur et  même pas peur du tout il s'étonnait par contre  de ma terreur passée devant ces oiseaux là

je serai donc tenté de dire en conclusion   "autres temps autres peurs" 

 

 

 

 

02:22 Publié dans cinéma | Lien permanent | Commentaires (0)

26/02/2017

Le locataire ( Roman Polanski 1976)

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Il est des films dont l'univers est difficile d'accès, il est des films dont on ne sort pas tout a fait indemne, c’est incontestablement le cas du "locataire".

Roman Polanski; à la fois réalisateur et interprète principal de cette adaptation d'une nouvelle de Roland Topor nous plonge dans un monde inquiétant, un univers oppressant peuplé de sinistres et fascinants personnages.
La lente spirale aux confins de la folie et de la paranoïa ; l’exploration du cerveau malade et dégénéré de Trekowski ( interprété par Polanski lui-même); son lent cheminement vers nulle part; le climat malsain entre le rêve et la réalité ; le cauchemar et l'absurde font du  "locataire" un film totalement a part a la fois attirant et éprouvant.

Polanski offre ici  a Isabelle Adjani un de ses  rôles les plus  difficiles mais c'est évidemment  la performance folle  et hallucinée  de Polanski lui même  au confins de la folie  qui donne au film son atmosphère glaçante.
La musique particulière signée Philippe Sarde  qui rythme le film contribue a renforcer  le climat étouffant et on pense souvent a l'univers de Kafka (Polanski adaptera par ailleurs  'la métamorphose' au theatre quelques années après avoir  réalisé ce film étrange et dérangeant.

21:19 Publié dans cinéma | Lien permanent | Commentaires (0)